Cine Dica: Streaming - 'Bebê Rena'

Sinopse: Comediante fracassado que trabalha em um bar começa a ser assediado de forma compulsiva por uma misteriosa mulher.   

Quando se ouve aquela famosa frase "baseado em fatos reais", seja em filmes ou séries, não significa que a trama seja necessariamente verdadeira. É preciso destacar o fato que ambas as mídias precisam nos apresentar uma boa história e que as vezes elas precisam serem remodeladas para agradar as grandes plateias. Por mais que os realizadores se esforcem dificilmente algum ponto da trama não irá bater com eventos verdadeiros que serviram de inspiração para o projeto.

Com o papel da internet, dizer que algo é realmente verdadeiro se torna ainda mais difícil, mesmo para os grandes estúdios. Porém, mesmo que nasça essa dúvida, é preciso reconhecer que uma obra sendo bem-feita, sendo ela fiel ou não aos fatos, é mais do que compensatório para os nossos olhos e mentes que buscam por algo que faça a diferença. "Bebê Rena" (2024) é um desses casos em que o projeto foi vendido do começo ao fim como fato verídico, mas que acabou sendo tão perfeito que ignoramos a sua real legitimidade.

Baseado em uma peça estrelada e dirigida por Richard Gadd, acompanhamos a história do comediante, performer e escritor Donny Dunn, sendo interpretado pelo próprio Richar  Gadd, que certo dia enquanto estava trabalhando em um bar ele acabou atendendo a Martha (Jessica Gunning), uma mulher extremamente carente e que começa a querer se relacionar com Dunn forçadamente. Essa perseguição transforma a vida do protagonista em um inferno e o levando para momentos inusitados.

Richard Gadd se encontra em um momento curioso de sua carreira, sendo que essa série fará com que abra novas portas para ele, ou será alguém sempre será lembrado pelo potencial do seu primeiro grande sucesso. Difícil dizer o que irá acontecer em seguida, mas o que eu posso dizer é que o realizador me surpreendeu pelo seu modo de filmar, cuja edição frenética das cenas nos faz não tirar os olhos da tela e sendo tudo embalado por uma trilha sonora contagiante e que fará com que a gente identifique rapidamente com algum grande sucesso. Ao mesmo tempo, a série possui um humor sedutor, politicamente incorreto e do qual está fazendo falta em tempos atuais em que muitos realizadores temem fazer comédias mais acidas em tempos de cancelamento.

Ao mesmo tempo, é um humor que transita para passagens mais dramáticas e das quais nos envolve emocionalmente e fazendo com que a gente entenda as raízes dos problemas emocionais dos dois protagonistas. Embora Martha seja uma pessoa com sérios problemas emocionais Dunn não fica muito atrás, já que ele próprio chega em um ponto da trama que não sabe ao certo se deseja se livrar de sua perseguidora ou continuar com esse joguinho doentio para ver até onde isso chega. Isso acaba revelando uma outra faceta do personagem, sendo que em determinado episódio conhecemos o seu passado trágico em que foi abusado fisicamente e emocionalmente ao buscar a fama e fazendo dele alguém mais complexo do que a gente imaginava.

Já Martha é uma entidade imprevisível, articuladora e que não medirá esforços para obter o seu Bebê Rena. Jessica Gunning com certeza será uma candidata favorita para as premiações futuras como o Emmy, já que a sua personagem é uma transição do que foi visto em clássicos como "Louca Obsessão" (1990) e "Atração Fatal" (1987), porém, obtendo luz própria e se revelando como uma das personagens mais trágicas das séries recentes que eu já vi. Atenção para a cena em que ela explode e agride a terapeuta Teri (Nava Mau) dentro de um bar e fazendo com que a tensão somente aumente a cada segundo que passa.

Falando na Teri, ela seria uma espécie de voz da razão para que Dunn procure se resolver, não somente com relação essa perseguição que está sofrendo, como também se achar na vida e sobre o que realmente quer. A série acaba se tornando mais complexa na medida em que ela avança, ao falar sobre qual é o nosso papel neste mundo sempre disputado sobre quem chegará no topo primeiro, quando na verdade bastaria as pessoas serem felizes sendo elas mesmas. Portanto, a cena em que o protagonista se abre diante de um grande público, não é somente a melhor cena da série, como também exemplifica a mensagem final de sermos nós mesmos em meio uma realidade, por vezes, opressora e que precisa ser combatida.

"Bebê Rena" lhe faz rir e refletir de uma realidade trágica que, por mais absurda que seja, pode sim ser verídica e cuja situação semelhante pode estar mais próxima de você do que imagina.

Onde Assistir: Netflix 

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Cine Dica: Oscar 2024 - 'Haulout'

Sinopse: documentário é sobre o cientista russo Maxim Chakilev, que observa a vida das morsas no Cabo Heart-Stone, no Mar de Chukchi.  

O desastre provocado pelas enchentes que afetou Porto Alegre e os demais municípios aqui no RS é algo que o cinema já havia nos alertado há muito tempo. Que atualmente vivemos um aquecimento global isso não é novidade, principalmente quando sentimos os calor intenso até mesmo no inverno e agora inundações quando chove excessivamente e invadindo as cidades como um todo. Porém, nós enxergamos somente o nosso lado, mas os sinais estavam lá para testemunhar a mudança de comportamento que certos animais estavam obtendo nesta metamorfose constante ao redor do globo."Haulout" (2023) nos surpreende com uma vasta beleza de diversas morsas, mas ao mesmo tempo nos revelando uma dura realidade que estes animais andam passando hoje em dia e fazendo a gente temer pelo nosso próprio futuro.

Dirigido por Maxim Arbugaev e Evgenia Arbugaeva, o documentário fala sobre o cientista russo Maxim Chakilev, um homem aguarda pela ocorrência de um fenômeno natural na vastidão do ártico russo. Porém, essa rotina pode ser drasticamente alterada pelos efeitos das mudanças climáticas e o aumento do nível do oceano. E isso é constado graças ao vasto número de morsas que se reúnem neste local.

Se a pessoa vai desinformada assistir a essa curta documentário irá se espantar com a primeira imagem das milhares de morsas que se concentram ao redor da cabana onde o cientista se encontra. As primeiras cenas, por exemplo, nos dão pouca informação sobre o porquê aquele cientista se encontra naquele lugar, mas nos passando a ideia de que existe algo que ele está esperando que está o deixando inquieto. É então que a resposta vem através de uma incrível cena, onde vemos o cientista abrir a porta e nos darmos de encontro com milhares de morsas umas em cima das outras.

A cena em si já é esplendida, mas somente temos uma dimensão da ocupação do local quando o vemos o cientista subir no telhado e onde acabamos tendo uma dimensão maior sobre até onde se expande essas morsas na beira da praia. Nota-se que estamos tão pouco acostumados a vermos esses animais que nos passa a sensação de que eles não existem e que tudo não passa de efeitos visuais. Porém, isso é quebrado quando sentimos a sensação de peso de cada uma dessas criaturas e fazendo a gente até mesmo temer pela vida do cientista.

O documentário em si é também uma alerta sobre o degelo que acontece no mundo, já que as morsas se reúnem em bando e se concentram em gelo firme para a próxima migração. O problema é que muitos pontos antes cheios de gelo agora não passam de rochas úmidas e fazendo com que esses animais encalhem e até mesmo morrem durante esse período. Por mais belo que seja vê-los todos juntos naquele local não deixa de ser triste o fato que muitos não sairão vivos dali e a culpa é nossa por termos chegado a esse ponto infelizmente.

Indicado ao Oscar de melhor Curta Documentário em 2024, "Haulout" é belíssimo, porém, preocupante com relação aos rumos que o planeta está passando e afetando, não somente os animais, como também todos nós. 

Nota: Curta-documentário ainda inédito no Brasil. 

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Cine Dica: Sessão do Cineclube Torres -"Jimmy's Hall" Segunda dia 13/05 - 20h

 “Jimmy's Hall” é o próximo filme do ciclo do Cineclube Torres inteiramente dedicado à obra de Ken Loach, na próxima segunda, dia 13, às 20h, na Sala Audiovisual Gilda e Leonardo.

Continua assim a devida homenagem, em vida, ao cineasta cinema britânico, autor engajado e militante em favor das classes desfavorecidas. Se existe um filme com uma conexão direta ao Cineclube Torres e, em geral, à conjuntura da cidade de Torres, esse é "Jimmy's Hall". Mesmo ambientado em outro continente e período histórico, os eventos retratados são arquétipos do negacionismo cultural, destruição de patrimônio, boicotes e retaliações que grupos organizados sofrem, simplesmente por promover cultura e cidadania nas próprias comunidades.

O filme está ambientado em 1932; depois de passar dez anos em Nova York, Jimmy Gralton volta para Leitrim, na Irlanda, cidade onde nasceu e de onde saiu por sofrer perseguição por ser comunista e defensor da liberdade de expressão. No início, a intenção do Jimmy é levar uma vida pacata na Irlanda, mas jovens da cidade e seus antigos amigos insistem para que ele reabra o salão onde a população tinha encontros literários, aulas de dança e outras iniciativas culturais.

O problema é que estas iniciativas não agradam nada à facção ultraconservadora da cidade de Leitrim, liderada pelo padre da igreja local. O filme possui uma fotografia deslumbrante de uma Irlanda ainda bucólica, recém independente do Reino Unido, e conta com o excelente roteiro e textos de um parceiro histórico do Ken Loach, Paul Laverty, que reconstrói a história real do líder comunista James Gralton, único irlandês deportado do seu próprio país.

Contagiante é a trilha, que acompanha a tentativa de importar a sonoridade em voga no novo continente, o jazz dos salões de baile norte-americanos dos anos 30, reproduzida através de discos contrabandeados e de músicos locais, embora com instrumentos e influências da tradição irlandesa, para alegria e jóia dos participantes dos bailes comunitários no velho galpão do título (Jimmy's Hall).

Mais uma vez no cinema de Loach "há beleza somada à ideologia" (Willian Silveira, Papo de Cinema) e nele é indicado um possível caminho para o resgate dos sentimentos comunitários, dos valores humanistas: é o caminho da arte e da cultura, da alegria.

A sessão, com entrada franca, integra o ciclo de maio “Thank U, Ken” que será programado todas as segundas feiras, às 20h na Sala Gilda e Leonardo, com a organização do Cineclube Torres, Associação sem fins lucrativos, Ponto de Cultura pela Lei Cultura Viva e Ponto de Memória pelo IBRAM, em atividade desde 2011, contando com a parceria e o patrocínio da Up Idiomas Torres.

 Serviço: O que:

Exibição do filme “Jimmy's Hall”, integrado no ciclo “Thank U, Ken” em homenagem ao diretor Ken Loach.

Onde: Sala Audiovisual Gilda e Leonardo, na escola Up Idiomas, Rua Cincinato Borges 420, Torres

Quando: Segunda-feira, dia 13/05, às 20h.

Ingressos: Entrada Franca, até lotação do local (aprox. 22 pessoas).

Cine Especial: Revisitando 'Tubarão'

 

Nada melhor do que revisitarmos um grande clássico na tela grande, pois foi lá onde a obra foi exibida pela primeira vez e mantendo seu grande impacto. Por melhor que seja eu colecionar obras primas do cinema eu prefiro também os revisitar e para assim ter a sensação de estar em uma viagem no tempo e tendo o privilégio de dizer que vi tal título na tela grande. As salas de Porto Alegre nos dão a chance para tal feito e a melhor pedida é a Cinemateca Capitólio.

Dona de uma programação alternativa para os cinéfilos, o local também nos oferece uma programação de diversos clássicos de diversas épocas. Até a pouco tempo estava sendo exibido o Ciclo Fim de Verão, onde havia exibição de filmes em que o cenário se passava no período veranesco. No encerramento do ciclo teve a exibição daquele clássico que mudou a cara do cinema norte americano que foi "Tubarão" (1975).

Um dos primeiros grandes sucessos da carreira de Steven Spielberg e do qual fez as pessoas até terem medo de tomarem banho sozinhas dentro da banheira. Foi o primeiro grande filme a ultrapassar a marca dos R$ 100 milhões de dólares somente no território norte americano e inaugurando a leva de filmes Blockbuster que começaram a serem lançados no verão. Revendo na Cinemateca Capitólio eu percebi que o filme não envelheceu nenhum pouco e causando o mesmo impacto que a geração setentista sentiu.

Foi em uma sessão de Domingo as 18 horas, sendo que houve uma fila imensa e que se compara com a mesma imagem clássica do Cine Vitória em que os cinéfilos dos anos setenta foram em massa para assistir ao filme de Spielberg. Dentro da sala não havia mais lugar disponível, sendo que alguns ficaram sentado nas escadas, mas pouco se importaram com isso pois estavam focados na tela. Quando o tema de John Williams começa a plateia ficou em silêncio e já tendo uma noção do que virá em seguida.

Tubarão sendo exibido no Cine Vitória em 1975

Falando no mestre de trilhas sonoras, o próprio Steven Spielberg reconhece que metade do sucesso do filme se deve a sua trilha sonora, pois quando ela é tocada é sinal de que o Tubarão está por perto e fazendo com que o público respire fundo. Curiosamente, a sua trilha não somente serviu como alerta da aproximação da criatura, como também nos pregando um grande susto em algumas cenas mesmo sem a presença o vilão em cena. Isso é constatado em um momento que fez todo mundo pular da cadeira.

Em uma determinada passagem do filme, o chefe de polícia Martin Brody (Roy Scheider) e o pesquisador de tubarões Matt Hooper (Richard Dreyfuss) estão em alto mar quando avistam um barco em pedaços. Hooper nada para baixo do barco onde lá encontra um grande dente de tubarão branco, mas é pego de surpresa por uma cabeça que sai do nada de um buraco. Neste instante a trilha de Williams dispara e fazendo os cinéfilos do local pularem de suas cadeiras e repetindo o mesmo feito que as plateias sentiram nos anos setenta.

Mas talvez a melhor cena do filme é ainda para mim a USS Indianapolis, uma história realmente verídica e contada pelo caçador de tubarões Quint (Robert Shaw). Atuação de Shaw é digna de nota, pois cada passagem da história como ele conta faz com que adentremos no terrível cenário em que diversos marinheiros foram mortos em alto mar e fazendo com que a tensão somente aumente sendo alinhada pela trilha de John Williams. Neste momento olhei em volta e vi todos concentrados na tela e fazendo com a realidade em volta se tornasse esquecida.

Mas o exemplo final de que o filme não envelheceu mal é graças a presença do Tubarão. Apelidado carinhosamente de Bruce, a criatura de borracha e mecânica deu muita dor de cabeça para Spielberg e os produtores, já que ele sempre afundava e gerando diversos problemas. Quando as coisas funcionavam bem a magia do cinema fazia o resto e moldado a criatura se tornar uma entidade assustadora e fora do normal para os padrões de um tubarão comum.

Em tempos atuais em que o CGI está cada vez mais chato de se ver é impressionante como ainda sentimos o peso e a verossimilhança deste Tubarão, ao ponto de até mesmo aceitarmos a criatura pular da água e atacar o barco dos protagonistas e fazendo o caçador Quint escorregar até a sua boca. Na cena mais forte do filme Quint é devorado vivo pelo Tubarão, sendo sacudido, de um lado para o outro e sendo atorado ao meio e partindo para as profundezas do oceano. Neste instante eu olhei para o lado e vi uma jovem colocar as mãos no rosto de tão horrorizada que sentiu naquele momento.

Após a sessão houve um debate, mas eu decidi sair da sala para respirar um ar puro, pois a tela de um grande cinema me fez assistir ao filme como se fosse a primeira vez. Pessoas saíram comigo comentando sobre a obra de uma forma entusiasmada, como se tivessem saído da sala carregando uma aura positiva e fazendo com que não se esquecendo tão cedo da experiência. O filme que muda a forma de lançar filmes ainda teria o mesmo desempenho para essa geração que anda cansada de efeitos visuais sem vida e apreciando algo mais significativo para a história.

"Tubarão" não é somente um dos melhores filmes de todos os tempos, como também um exemplo de obra que soube envelhecer muito bem através do tempo.    

Nota: Filme exibido na Cinemateca Capitólio no dia 31 de Março as 18h. 

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Cine Dicas: Estreias do Final de Semana (10/05/24)

 PLANETA DOS MACACOS – O REINADO

Sinopse: Planeta dos Macacos: O Reinado realiza um salto no tempo após a conclusão da Guerra pelo Planeta dos Macacos. Muitas sociedades de macacos cresceram desde quando César levou seu povo a um oásis, enquanto os humanos foram reduzidos a sobreviver e se esconder nas sombras. 

DIÁLOGOS COM RUTH DE SOUZA

Sinopse: Ruth de Souza inaugura a existência de atrizes negras em palcos, televisão e cinema no Brasil. Carrega em si a gênese de parte importante das conquistas para as mulheres negras ao longo de quase um século de vida. 

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Cine Dica: Em Cartaz - 'Clube Zero'

Sinopse: A professora de nutrição Miss Novak aceita um emprego em uma escola de elite e estabelece um vínculo estreito com cinco alunos, mas o relacionamento acaba tomando um rumo perigoso. 

Em tempos atuais em que muitas religiões tentam persuadir a maioria da sociedade, seja pela internet, ou até mesmo por setores políticos, é preciso ter muito cuidado com o que testemunhamos e ouvimos hoje em dia. Por outro lado, temos um sistema capitalista desenfreado e do qual ele nos obriga em alimentarmos dos mais diversos alimentos e dos quais nem todos são realmente necessários. Agora, imagine uma crença duvidosa, alinhada com o desejo de não seguir a lei e a ordem desse sistema alimentar, temos então "Clube Zero" (2023), o filme que se não for analisado com bastante cuidado pode sim ser mal avaliado.

Dirigido por Jessica Hausner, o filme conta a história de Novak (Mia Wasikowska), uma professora que obtêm uma vaga em um colégio particular e forma um forte laço com os alunos locais. Porém, ela introduz na aula de nutrição um conceito que não é necessário comer muito, ou nada para continuar vivendo de forma saudável. Não demora muito para os pais dos alunos começarem a desconfiarem da professora, pois os seus filhos começam agir de forma radical a cada dia que passa.

É interessante observar que Jessica Hausner retrata os pais desses meninos completamente alienados com relação ao verdadeiro mundo real em que estão vivendo e achando que nada é o suficiente para serem realmente felizes. Ao mesmo tempo, isso se torna uma forma para que os alunos se tornem cada vez mais desamparados e se tornando presas fáceis para a professora que quase não esconde a sua obsessão de levá-los ao clube zero. É notório, por exemplo, que cada um ali possui um problema alimentar e fazendo com que isso se torne somente um passo para cair em uma armadilha iminente.

O filme, porém, é um daqueles casos que podem ser mal interpretados em um primeiro momento, já que ele não procura exatamente demonizar a crença de Novak, mas sim colocando elementos que a fizeram crer nesta ideia e se tornando uma peça importante para atrair outras. Isso dá o direito de o filme abrir um leque de diversos assuntos, desde ao consumismo desenfreado, capitalismo vicioso, política e fé por vezes cega demais. Não existe um lado da história, já que a realizadora procura atirar para todos os lados, pois o ser humano pode sim ser facilmente persuadido.

Conhecida mundialmente pela sua atuação em "Alice no País das Maravilhas" (2010) Mia Wasikowska procura construir para a sua personagem uma ambiguidade ao extremo, ao ponto que ela sabe persuadir facilmente os seus alunos, mas deixando fragmentos errôneos pelo percurso. Uma personagem extremamente humana, porém, falha em suas ações, mas não escondendo o seu desejo de mudar o caminho daqueles jovens que ainda estão conhecendo o mundo. Na medida em que começa até mesmo ser encurralada pela direção da escola e pelos pais dos alunos, eis que a sua lábia acaba sendo verossímil para que consiga seguir com os seus objetivos.

O ato final, por sua vez, é algo ainda mais delicado, pois ele transita por um resultado mórbido, porém, necessário para ser analisado, principalmente em tempos em que cada vez mais há jovens que são facilmente persuadidos por fake news ou ideias formadas por pessoas que se dizem sérias no assunto. Se no mundo real existe dez porcento de jovens brasileiros que acreditam que a terra é plana, então o filme vem unicamente para nos darmos um sinal de alerta.

"Clube Zero" é um filme que pode ser tachado facilmente como perigoso, desde que você seja facilmente persuadido com a ideia de que a obra fala somente de um lado da história como um todo. 

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Cine Dica: Em Cartaz - 'Love Lies Bleeding – O Amor Sangra'

Sinopse: Lou é uma garota solitária que trabalha como gerente de uma academia. Após conhecer a a fisiculturista Jackie, que pretende viajar até Las Vegas para realizar seu sonho, as duas acabam se apaixonando em meio a violência do local. 

O bom gênero policial mescla elementos em torno de investigação, violência e paixão. Tudo isso começou especificamente com o subgênero noir pelos anos quarenta e servindo de inspiração para demais filmes que foram lançados ao longo das décadas. "Love Lies Bleeding – O Amor Sangra" (2024) segue a linha desse meu raciocínio, mas mesclando com elementos vistos nos bons tempos dos anos oitenta.

Dirigido por Rose Glass, do filme "Saint Maud" (2020), a trama se passa na década de oitenta, onde acompanhamos a vida da gerente de academia Lou (Kristen Stewart), que acaba se apaixonando por Jackie (Katy M. O'Brian), uma fisiculturista que viaja da cidade até Las Vegas para concorrer em uma disputa. Porém, a violência do local faz com que essa relação entre em desiquilíbrio, principalmente pelo fato de que o pai de Lou é o principal suspeito de inúmeros crimes não resolvidos.

Rose Glass capricha na reconstituição da época, que exala puramente os anos oitenta, mas não de uma forma mais colorida da qual sempre nos lembrando, mas sim mais opressora, claustrofóbica e pouco acolhedora. É uma cidade violenta, da qual os que não tem nada se sustentam com o tráfico de drogas, armas e outros trabalhos ilícitos que surge toda hora. Neste cenário Lou procura sobreviver com o que tem, mesmo tendo que cair em certos vícios que a fazem lutar contra as suas próprias dores emocionais o tempo todo.

Já Jackie é uma sobrevivente vinda de uma cidade conservadora, que faz dela se tornar uma andarilha e assim exercitando o seu físico para que vá enfrentar o mundo. Uma vez que ambas se conhecem na academia se nasce uma grande paixão, já que elas dão a entender que são dois lados da mesma moeda, pois o mundo as construiu para serem assim em vida. A química entre as duas atrizes é certeira, ao ponto que é bastante verossímil o nascimento da paixão entre as duas personagens e fazendo com que as cenas de amor entre elas se tornem ainda mais incríveis para os nossos olhos.

Kristen Stewart novamente surpreende em um papel desafiador, onde ela nos passa cada vez maior amadurecimento e não se limitando diante de novos desafios, pois já a vimos em quase todos os gêneros. Já Katy M. O'Brian é um novo talento para mim, já que a vi somente no recente "Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania" (2023), mas já posso adiantar que ela não se limita em ter somente um grande e belo porte físico, mas sim sabendo construir uma personagem já carregando diversas feridas emocionais e pronta para a qualquer momento transbordar. Curiosamente, é neste ponto que vose Glass me parece querer que a gente intérprete isso com a mente aberta, mas disso eu falo mais adiante.

Como não poderia deixar de ser, essa relação começa a sofrer desiquilíbrio quando a violência ronda o casal central e fazendo com que uma delas cometa uma ação que as levará para um caminho sem volta. É a partir daí que o filme adentra em uma realidade que mais parece um puro pesadelo, onde as emoções ficam a flor da pele e fazendo com que ambas as personagens percam a razão em alguns momentos. Neste último caso, por exemplo, isso é ´muito bem representado por Jackie, que busca de todas as maneiras abraçar os seus sonhos, mas tendo consequências devido ao uso de drogas para obter mais músculos.

Porém, é neste ponto que Rose Glass decide criar uma liberdade mais poética com relação a Jackie, já que o seu corpo reage até mesmo de uma forma bem inverossímil e podendo dividir a opinião do público. Isso se intensifica ainda mais na reta final, onde cada um levantará a melhor interpretação sobre o que irá testemunhar. A meu ver, o que vemos é toda aquela força que a mulher deseja obter para eliminar o pior do machismo, muito embora o resultado acaba se tornando até mesmo cartunesco, mas que funciona se seguir esse meu pensamento.

Com interpretação assombrosa de Ad Harris como antagonista, "Love Lies Bleeding – O Amor Sangra" é um filme policial sedutor, violento e ao mesmo tempo surpreendente mesmo nos momentos mais absurdos. 

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